当初第一曲はラッヘンマンの初期のレッスン用に書かれたが，次第に楽章が追加され、改定されて現在のような形になった，最初の題名はWVE-110Aと同じく「Ordure」であったが，出版社が｢汚くて売れないと｣拒否したので、Juliane・Grossの提案によって現在の女性的な名前の「Spaene」に換えさせられた。現在9回の演奏記録があるが，初演以外はほとんどオイリュトミーの伴奏として使われた。第5曲を筆者は直接がガムラン音楽を意識したわけではないが，当時シュトットガルトでそこのインドネシア人達と交流があり手ほどきを受け演奏したりしている。現在までに１２曲の編曲がある。なおオリジナルも含めてアムステルダムのガーディアムス財団の図書館で閲覧可能。

In der 20. Jahrhundertwende gibt es sehr viele kompositorische Stile. Eigentlich ist es ganz frei, was man komponiert. Aber es gibt nur gute Stücke und schlechte Stücke. Das gutes Stück heißt für mich, was man über das Zeitalter und die Staatsgrenze hören kann, und das schlechtes Stück heißt für mich, was bald verschwunden kann. Es ist auch sehr wichtig, daß man als Komponist immer ganz und insbesonderes spezialisieren muß.

In dieser Zeit gibt es schon sehr viele neue Kompositionstechnik: Impressionismus, Exressionismuß, Futurrismus und Neoklassismus sind schon sehr klassisch geworden. Nach 1950 kommten Serielle Musik, Elektronische Musik, Aleatorikmusik, Postserielle Musik, Klangkompositionsmusik, Minimalmusik, Jazz, Zitatmusik, Engagierte Musik, Volksmusik, Filmmusik, usw. Hire möchte noch mal wiederholen. Es ist ganz frei, mit welcher Technik man komponiert, oder auch solche Kombination.

Was ich ich interessiere, ist daß es meistens sehr gigantische Schulen in Europa gibt. Diese Schulen entwickln immer nach Futur über Zeitalter und Staatsgrenze. Das muß ein Wunder für mich sein gegen verschlossene Japanische Musik (Hogaku) gegen eine Globalisierung der Musik. Aber auch viele japanische Kollegen haben in diesem Gründe die Komposition angefangen. Wie komponieren nicht so viel für japanische Instrumente. Diese Motiv kommt meistens aus dem Kulturhaß wegen des Geheimnis der Musik von eigenes Land. Diese Kultur will selbst ermorden. Das heißt, wir können gar nicht kennenlernen, lernen und bekommen. Einfach zu teuer, keine Chance. Damit Leute sind komischer Weise zufrieden problemlos. Dieses Grund kommt aus japanischer Gewohnheit. Darum viele kollegen möchte an die Richtung der geöffneten europäsche Musik.

In einer Seits, Europäer wunscht immer ostasiatische Musik von japanischer Komponisten.Darum japanische Komponisten und europäsche Publikum sind nie ineinander gegreifen. Eine leichte asiatische Propaganda werden kommerzielles Zweck verbundet. Dir Figur des Sho ist selten und komisch, aber der Klang ist total selbe wie Akkordeon. Nur Sho hat keine weitere Flexibilität und keine mehr Funktion als Akkordeon. Intelektuelle Komponisten in Japan haben seit lange versucht, um dieses Problem zu lösen. Zum Beispiel, Yoritsune Matsudaira und sein Shon Yoriaki, Kiyoshige Koyama, Minao Shibata, Teizo Matumura, Michio Mamiya, Toshiro Mayuzumi, Hifumi Shimoyama, Ryo Hei Hirose, Makoto Moroi, Makoto Shinohara, Maki Ishii, Takehito Shimazu oder Akira Nishimura. Sie bearbeiten und entwickln, oder japanische Musik an sich! Oder inkulsive auch asiatische Gedanke und Technik: Gamelan Musik, Indische Musik, Tibetische Philosophie, usw.

Meine Musik gehört nicht zur beide Schule. Aber in meiner Musik gibt es nicht oft japanische Elementen/ Stoff/ Technik., sondern solcher Charakter muß in Struktur, Gestalt und musikalische Form auftauchen werden. Ich habe keine japanische Musik als Fach studiert. Aber man sagt, daß ich japanisches Element als Schichten schleppe. Ich möchte darüber nicht verneien, auch daß seriellische Technik brauchtbar ist. Aber für meine Stil ist diese akademische Technik nicht unbedinkt als Gedanke. Nur man muß erfahren wie Harmonielehre, elektronische Musik oder Kontrapunkt als geschichtliche Musiktheorie und auch Kontrole des Klangs. Für mich ist die Idee in jeder Zeit sehr wichtig als normal. Aber die Musik muß nicht in americanische Idee gehören. Ich bringe dazu auch ganz menge Inhalt.

Klang-Komposition: ist sehr wichtige moderne Kompositionstechnik. Nur diese Technik kann Melodie und Rhythmus vertreiben.

Minimalmusik: für mich gehört diese Musik an Populäre Musik Bereich. Aber als Katalysator für Neue Musik nutzbar.

Zufall und Aleatorik: Es gibt ein Sinn, Weil die Komposition ganz frei, wie man die Musik macht., welcher Klang nach ersten Klang kommt. Aleatorik ist ein unkontorollerter Klangraum.

Japanische Instrumente: für mich keine Tauschbarkeit zu andere Instrumente. Geschlossene Instrumente. Vielleicht als „Klang“ nutzbar.

In dieser Zeit interesiere ich mich verschiedene Kombination: Fuga mit Japanische Tonleiter, Arabische Tonleiter, Chromatische Tonleiter, und Bluenote Tonleiter. Serielle Melodie mit Minimalmusik zu begreiten.

WVE-64 : Mon Goût du Shigeru Kan-no

Mon Goût musicqle est trés spécial. :La musique normale est trés ennuyeuse pour moi. La musique résonne toujours jouée. Ce n´est pas interresant pour moi. Je préfér la musique contemporaine que la musique classique et jazz. Parce-que musique est tout nouveaux et autre chose. La musique a autre possibilité et trés serieux que classique. Lamusique fait toujours dangereux experimente et abîmer. C´est fou, Il y n´a pas belles mélodie, rythme, et harmonie. Donc j´adore que personne ne aime pas. Et parce-que c´est sans son et aussi contre musique, ou hors de musique. C´est pour-quoi? Je prends „Pas une musique“. Je n´a pas que quelqu´un ador dans la musique de confection. La musique faut porter les hautes de autre dimention chez moi, et ne faut pas être un amusement, mais être une cérémonie et austérités comme „Parsifal“. Par conséquent je ne appartiens pas à la église. WVE-64 est la originale edition di WVE-64a, que est joué à Mexico sans moi avec piano à la place de harpe. WP pour WVE-64a: 30.5.1998/18:00 h in Mexico,Cameristas de Mexico, Director:Antonio Lopezrios/ organisatuer: INBA, Mexico INBA Composition Prize. J´espere, WVE-64 Originale Version soit joué à l´Europe.

A short description of the score for WVE-79a

My „Duo-Kyogen“ WVE-79-a (1994) for flute and guitarist composed for complete professional players only , who can do instrumental noise and mouth-lips noise/ voice noise with variable languages too. Player must not need to study a foreign language for it. Player may speak with his nationalitic domestic accent only. This is no problem. That´s belong to alle his interpretation. Both instruments are tuned in B: half tone lower. The score is transposed notes. For me „Kyogen“ don´t means a japanese traditional arts, but „a story“ only. Yes „a musical tale“!!!

The combination of flute and guitar is that I selected still instruments only. I don´t wish to so much dynamical differance betwen key-noise/martellato/flageoletto/behind the bridge and ordinario/Bartok-pizzicato „ffff“. The key-noise and martellato must be heared by audience. Guitar player need metal pole or water glass for glissando absolutly. The duration is ca. 6 min.

A short description of the score for WVE-79a

Kommerntar für WVE-91: V. Kammerkonzert

Am Anfang versuchte ich neue Möglichkeit für 2 Seiten beim Streichspiel. Die Idee habe ich aus Streich Quartett von Scelsi eintwicklt. Aber wegen technischer Schwehrigkein darf man auch mit jwdemr 2 Streicher spielen. Danach beim Unisono spielt man wie Sinfonieorchester, troz als Ideal immer mit solistische Streicher Ensemble ist. Ich habe einen Storz über dieses Stück, das einen 1 Preis bei Cantus Ensemble oin Kroatien bekommen hat. Aber sehr streng finanziel er Grunde haben wir noch keine Uraufführung gebracht. Ich hoffe, daß dieses Stück bald in Österreich solche Chance kommt. WVE-erscheinnt beim Verlag Vierdreiunddreißig/ 4´33“ in München. Es gibt einfach Neue Welt, Möglichkeit, Gedanke, Philosophie, Äthetik und Thechnik hier.

I have tried at that time all possibilities for saxophone in Eb. I needed 3 line system for it. One is for ordinario tone for saxophone, others are for voice and feet noise.

Tone scale are tonal, atonal, ober tone, ¼ tone, pentatonic, chromatic, etc + variable noise. But general combination is not systematic.

System is always improvisatory without　repeat if possible, however a catalog by materials. We can give always new idea during to compose with it. And saxophonist can give his idea during the rehersal.

Kommerntar für WVE-98: Partita der Unterhaltung

Das Stück habe ich leicht komponiert, da echte Neue Musik Sciene immer keine normale Publikum bekommt. Bißchen mehr Wiederholung, nicht so extrem Sprung, ziemlich melodieartig, leichter Spielthecknik, usw. Solche Gedanke habe ich damals „Rituel“ von Boulez gelernt. Aber ich habe bei der letzte Hälfte wieder atonalmäßige Situation zurückgekerht. Ich mußte im diesen Stück richtigen Inhalt bringen. Man muß immer künstriche Neveau halten. Also niemals echte Unterhaltunsmusik!

Kommerntar für WVE-104: Trieb I

Diese Komposition ist vom meinen Trieb einfach vertont. Andere Grunde gibt es nicht. Der Sopran singt zufällig aus Psalm 97. Ich habe auch gelesen und verstanden. Aber es gibt nicht besonderes starke Beziehung zuwischen Psalm 97 und diesem Stück. Nur der „Trieb“ ist immer wichtigste Bedingung. Oder sagen wir nur „Lust“. Andere Ursache gibt es nicht. Darum die Gesamgstimme ist wie Instrumentale Stimme ganz strukturiert. Am Ende „sprichen“ instrumenlat Solisten auch Psalm als nur musikalische Konfigration, die ich nicht so technisch und auch als Verständkis schwehrig wie WVE-98 gemacht.

WVE-115 "Noch Mal Quattro Pezzi" habe ich für Anfänger der Neuen Musik 1996 in Stuttgart geschrieben. Schon 8 Jahre Alt! Für Kinder hatte ich nicht besonderes gedacht. Aber es geht für Kinder auch gut, weil neue Musik immer so schwehrig zu spielen bei meiner Musik ist. Damals hatte ich keine Idee den Titel zu nennen. Aber es gab schon ein Stück "Quattro Pezzi" WVE-112 „Hyme des Premières Vétres de Saint Martin“ pour Choeur à voix mixres (23.3.1996/ Stuttgart) ca. 6 Kat. Lituegie mingenannt. Warum ich "Quattro Pezzi" genannt habe ist, war ich damals bei Hans Zender in Frankfurt. Beim ihm hatten wir ziemlich viel die Stücke von Giacinto Scelsi analisiet. Sein neutraler Title (nur Title) "Quatro Pezzi" pour orchestre de chambre für mich sehr fasziniert. Ich liebe sein Stück immer. Aber meine WVE-155 kann mit seiner Musik nicht zu tun. Auch nicht mit WVE-112. Das war nur Titel. Bitte sehe meine Werkverzeichnis in Anhang. Natürlich habe ich nur einfach so geschrieben. Noch nicht uraufgeführt, Nur diese Noten meine pianischtische Freundinin Mainz habe ich damals geschenkt. Sie hatte noch keine Chance zu spielen, trotz sie favorsiert WVE-155 jetzt noch. Der Titel ist auf Deutsch und Italienisch gemischt! Einfach hatte ich keine Zeit für den außer Musik zu denken.

- Was erschien Ihnen inhaltlich bei der Komposition (ausser natürlich den Spieltechniken der Streicher) dieser - meiner Meinung

Als langeres Stück kann für Kinder langweilen. Ich glaube, Kind hat weniger Konzentlation als Erwachsene. Zu spannen" ist für mich als neue Musik OK!Das muß einfach für ernste Musik so sein!

Das Problem ist, daß meine andere Stücke sind so schwehr zu spielen. Wenn ich immer meine neue Komposition zu verbessern versuche, wird das Stück extrem schwehr! WVE-115 war erster Versuch gegen meiner andere schwehrige Kompositionen von mir. Das Tempi sind auch ziemlich "LANGSAM": Das ist leichter zu spielen. Damals habe ich als als Zugabe aus meinem Geschmack/ Hobby gedacht. Mehr hatte ich kein Zweck. Deswegen muß das Stück so kurz sein. Mehr Sätze, Mehr neue Spieltechniken als zeitgenössische Musik womöglich! Aber kein Taktwechsel. Insbesonderes im 3.Satz muß Klaviernoten eine Linie für beiden Hände sein . Der Musikablauf muß entropiemäßig sein. Das heißt "Immer komplizierter"! Damit kann man oder Spieler etwas klassischen Spaß etwas bekommen.

La musique est composée comme entier experience. Le premire movement est extraordinare combinationpar simple et complexe son. Le duexième movement est une experience sans exemple: Le clarinettiste joue par seulement poigne de doit. Le son vient tourjours fortuit sans sa conscience. C´est trés important que on joue un ton inconscient dominé par poigne de doit seulement. Si ta clarinette est autre système, tu peux saisir autre mais semsable poigne de doit. Il y n´a pas problem travailler avec étrangerére clarinette. C´est important que on tourjour donne des hasardes.

WVE-125, Program Note

The idea is thoroughly to let to play on the behind the bridge always. The music is very strict to hear and very hard to understand like John Cage or Luigi Nonos String Quartet. We don´t know, which the pitch is. The pitch comrs by chance almost, however we have to accept always. Plase do you agree to all tones. Lastly comfortable sounds will come for you! That is a processed form about compositions technic.

We know already, here are used same my tone colour system from rhythm. What is a pitch? One can get very uncertain pitch behind the bridge? Correctly! Behind the bridge there is pitch as a chance music. I learned this chance technology from John Cage. Actually it is very asiatical philosophy. One have to accept all things. It is not important, if one want or doesn´t. When he come last time into Stuttgart in Germany. SWR interviwed him, if your music comes each times deffirent sound and if he is content thereby.He said, each times different tones is for him much more intresting. I understood ist music at that time very well. I think, the chance music is a technology for new music with jokeless. Cage was very very difficult to understand in such a way as a (post) serielle music by Stockhausen or Lachenmann. But if one feels really is music beautiful, he has already understand John Cage at last. Because he heard so pleasantly as it his music in Darmstadt 19990. Other public left mostly. The music was really beautifull! That is a understanding about his music.

However my behind the bar thereby only 4 tones. What is this? I locked up like Nono only very much in strict space. I learned the „No hai Caminos~“ much also at the time 1992. I don´t let my music release completely, but always with own structure.

It seems process composition? Yes! Despite I used noise in this times, I must prevent Lachenmann´s form totally. If one takes noise for music, one must go so far as a Lachenmann´s music form however his 3rd String Quartet was already process composition after my String Quartet VI in Melborne.

WVE-125 ended withemancipation with empty strings. That is my style. It is never difficult to play, even I can play with viollin, viola or cello. Unfortunately I am alone only!

"...gen Unverklungen..." Hommage à Paul Celan mit Neuer Musik von Erhard Karkoschka, Shigeru Kan-no, Jean Kleeb,Heinz Hollinger, Carl Bergstrøm-Nielsen Bewegungsperformance Diana-Maria Sagvosdkina, Sprecher: Günther Arnulf Musik: Shigeru Kan-no 12.Januar 2002, 20 Uhr Freie Waldorfschule Göttingen:

Wer am 12.1.02 den Saal der Freien Waldorfschule Göttingen betrat,sah zunächst im Bühnenhintergrund das ausdrucksvoll-nachdenkliche Gesicht Paul Celans auf einer großen Leinwand. Wer war dieser Mann? Was hatte er in seiner Dichtung mitzuteilen? War nicht eine ausschließliche Hommage a Paul Celan eine überforderung des Publikums?

Der Abend selbst gab eine überraschende Antwort. Nach einer kurzen Einführung in das Leben Celans und den Quellort seiner Dichtung entfaltete sich, durch die sich steigernde Interaktion zwischen der Eurythmistin D. M. Sagvoschtkina und dem Schauspieler und Sprecher Günther Arnulf ein Geschehen, das die Wort-Chiffren Celans immer mehr enthüllen und erlebbar machen konnte. Gleichzeitig waren die Radierungen von Gisele Celan-Lestrange, die sie zu den Gedichten Celans gemalt hatte, im Hintergrund zu sehen.Sie verstärkten den Gesamteindruck, den Sprache und Bewegung hinterließen.

Zu den Höhepunkten des Abends gehörte die "Engführung", daß große Schlußgedicht des Bandes "Sprachgitter", daß die Thematik des Klageliedes "Tenebrae" fortsetzt,aber auch die eigens zu Tenebrae komponierte Musik von Jean Kleeb, die Celan-Phantasie von Erhard Karkoschka, wie auch die ausgezeichneten eigenen Kompositionen des Pianisten und Komponisten Shigeru Kan-no. Die Bewegungschiffren der Diana Maria Sagvostkina, ganz aus den Quellen der Eurythmie geschöpft, aber über die klassische Form weit hinausgreifend, hielten,wie die Wort-Chiffren Celans,auf etwas Offenes zu, auf Herzland vielleicht, auf ein ansprechbares Du.Meines zumindest haben sie erreicht.

This is a compact orchestra. The variable rhythm is not as rhythm, but we must hear as collar of soundes. That is also „Partita“ by tones color. There os no melody and no rhythm. Please, do you listen color of sound only. So much plasant. The title „ Sanctus et Benedictus“ comes from my original plan „ Mass-Production“. But now no more relation, however we let so. This work has be never performed. Duration is ca. 10 min.

A very small orchestra piece is ca. 70 seconds. I have composed for „Pescara 70 Project 1997“. We don´t yet know, if there was a world premire, and if there are CD-recording. Because I have never heared this piece. That is with many variable composition technic simple like italian festival.

Der Text kommt aus einer katholische Liturgie in Pontalier/Frankreich. Die ungewöhnlich Situation ist, daß dieser Text für neue Musik verwendet ist, und man nur bei einer Krankheit beten kann. Diese Ernsthaftigkeit und Ungewöhnlichkeit geeignen sehr gut mit neuer Musik.

Die kompositorische Technik ist grundsätzlich „ bel canto“. Aber als neue Klänge benutzte ich eine Handhabung mit lautstärkischem Parameter und tondauerlischem Parameter. Anschaulich ist, die Lautstärke muß man sehr genau ohne Gefühl aber mechanisch mit Rationalität singen. Die Tondauer baut Rhythmus. Der Rhythmus muß man genauso wie Lautstärke mechanisch kontrolieren. Nach Takt 37 kommt einer Fluktationklang, der man für Gesangstück nolmalerweise nicht versucht.

Die Klangfarbe ist sehr wichtig in dieser Stück. Ich möchte denken, alle Paremeter kann man als Klangfarbe neu auslegen.

Der Form ist ziemlich intuitiv, trotzdem auch wie Momentform. Aber sagen wir, ich auch als Gesamt-Klangfarbe gedacht habe. Ähnliches Chorstück: WVE-128 „Amusement Sonore“ kommt eine Uraufführung in Juli 2000 bei Quebec/Canada.

WVE-147 is written for a project of first performance for „Ein Zeichen sind Wir“ (Bildklänge): Bilder, Bewegung, Wort, Klänge with me, Gundra Kientzler-Röhm, Diana-Maria Sagvoskina, Winfried Zimmermann at the Studio für BewegungsChiffren Stuttgart. This piece already is played only No.2, No.4, No.5 and No.6. There are 4 versions. The final version is not played. About each movement, No.1: Atonal Polyphony, No.2 Rhythm, No.3 Figure and Harmony with Bitonal, No.4: Scherzo, No.5: Harmony and Pointillism, No.6: Horizontal Polyphony, No.7: 12 Tone-Ostinato. This Piece is composed for children or a beginner for piano, if possible.

バーリンゲン国際作曲コンクールの為に書かれ第一位入賞した作品。以下現在までにaからiまでの９曲の編曲がある。なおオリジナルも含めてアムステルダムのガーディアムス財団の図書館で閲覧可能。

“Nagauta” = old japanese art with singing/taling and accompagniment for one player. I took a noise as a singing/taling and ordinario tone as a accompagniment. The noise of text “Voice” comes from it. I have used quasi all technics for Flute solo except of micro tone, but it is always very difficult to compose for solo instrument and I used a noise and pentatonic as a ton scale, because there is no structur like counter point. Therefore I have to write for solo pieces very difficult and complexe. I have to give a sufficient content to the piece. I cannot give a best idea only for my work, but also I have to do the hard work to write for solo work realy. On the contrary, one can use more other sound: body noise, noise from mouthpiece, trumpet playing, etc. Therefore this piece is an engagement like flute sonata as a musician artist and as a strict etude.

Why no so much atonal music, is there so many atonal music. I don´t deny such a music, but we may use sometimes other tone scale only. My music is not so important, if tonal, atonal, pentatonic, diatonic, noise, etc. The importantest thins is, that we can select and if we want, to combine. For example I can accompagny a 12 tone melody with ¼ low munimalistic C-major rhythmus almost bitonally, or I can invent or canon or fuga in 2 voices up to 4 voices pentatonical melody and tape noise and cymbales and jews harp. We have more freedom than we can think it always. But sorry I haven´t taken here. I need more place to compose.

Ce sont 24 variations sans thème, mais également 24 très courtes pièces indépendantes. Elles peuvent être jouées seules et/ou dqns un ordre diffèrent . Chaque pièce dure 10 secondes et est pièce de manière impromptue, en japonais, Renka.

Chaque pièce est basée sur un principe rythmique, mélodique ou instrumental qui lui est propre.

I wrote for italian public. That means for me not only for lover of new music, butalso all normal people, which who walks into Bologna in the street. That was open air concert. There was no entrance fee. There was no border between concert hall and outside. Everyone can be welcome to each tome without ticket. Who don´t like it, one can leave immediately at home. The situation is totally different than in Stuttgart. Therefore I had to work for both conditions. One is for normal people leaves simply fallen, other one is, despite my individually over new music not to lose. I must keep artistic level always correct.

What you heard as an ODSTINATO, is actually none OSTINATO; but an enormous color sound as ½ Hz.Cycle/sec.. Bartok pizzicato: g is as for a long time played as Ostonato. That was a sound only. But one may hear as Ostonato for normal people. That was a catalyst around new music better and easy to understand: quotation by Klaus Huber. Although as Ostinato would like to her you. It is not a problem for me . But in principle it is wromgly.

There is a still diffrent reason. Starting from WVE-155, I wrote composition with computer program. Because my publisher in Munich would like to have for copy the rafter, and it means, si beautiful nites is better salesable. What one can make with computer? Only the notes beautifully write? Never! The best work for computer is to repeat as copy. What we did as with electronic music at that time (for example at the Musique Concrete)? Melody? Never! Thus with computer exactly it is same! We must control ist advantage as possible well. Only if I want repeat, I am very responsable over the quality.

There is also sound variation technic with viola passage. This figure is looked as simple Ostinato with Crescendo. But see you well every bar. Always little variable and differently! But not so much, not so strongly! Thus this piece must go to it so. With glissando and empty string play is for the piece enough tone quality to get. This piece is so deffrent than my other compositions. I can always change my technic if, when, how and like we need.

But where is accordion solo starting from major 44? Too long? Perhaps NO. Introduction of Finale by Schostakovich was too! He had revised opus 93. So one can remain. Each piece has those disadvantage, despite Beethoven´s 5th, etc.

From where cis moll does melody come starting from major 106? At the time I could not write the 5 line with computer program. Therefore I have gotten the notes from J. Raff´s composition: String Sextet A major, which I worked as little job at the edition Nord Stern Stuttgart at that time. I did not delete all ist notes, but also remain left only small passage for a catalyst around the composition well to develop. Is the quotation? No, but an „Eclat“. Because I haven´t a relation with the piece by Raff. I compose also, what I cannot disire. I know, otherwise at all no possibility.

What is starting from bar 180? Is that impossible to play (H. Kalafusz)? Yes, I know, there is nearly impossible to realize. Sometimes each composer will have no sense for speeds such as Mozart (Celibidache). But I cannot reduce no more contents because of enough content. For the piece. Do nothing! Many master pieces were enough too difficult or too impossible to play (H. Rilling): Bach, Mozart, Beethoven, Schubert, Wagner, Brucker, Brahms, Tchaikovstky, Maher, Schoenberg, Stravinsky, Ives, Xenakis, Ferneyhough, Trojan, Hölzsky – all are difficult to play. Musicien can try as possible well untill the concert (J. Schall). I make here no change. I have really no anxiety here.

Why there are hardly noise subjects with WVE-168c only? Because the concert was an open air. Noise sounds mostly inaudibly so quiet (H.P.Jahn in SWR2 / criticism of Lachenmanns new CD by Col Legno)! I selected mostly Bartok Pizzicato only.

From bar 192 I produced the tone colour only with rhythm. That is no rhythm, but my tone colour. Otherwise nothing!

As a Coda I have made Fugato without tonality and without atonality: the music must stop so at the end very well.

Bologna BOLOGNA. Closely Dr. towards itself humans in the mediterranen summer evening on the Piazza Maggiore. No question, the Piazza in the middle in the historical old part of town offers a special framework für festive concerts. The Sitzplätze is längst occupied before the orchestra of the Artur Toscaninistiftung its Plätze on the Freilichtbühne before sank Petroniusbasilika takes. In the context of the international composition competition " 2 agosto " this time zeitgenössische music is located on the program, under it also a factory of the composer Shigeru Kanno living in the set old person churches. That by more Über fünfzig Beiträgen sent in from all continents its factory " Semi Concerto Grosso " with the third price to be distinguished should was a großüberraschung für the Schuler of laughter man and Zender. " before two years I pursued to the bertragung of the concert via Satelit on the television ", erzählt Shigeru Kanno. The contact address für the documents of the jährlich written out competition was in technical periodicals. Gewünscht was this time a factory für accordion and Ochester. " play-technically its Stück is not unique the most difficult ", noticed Fabrizio Festa, künstlerischer director and driving strength in the Organisationskomittee während the general sample at the vortag, " however that is a problem." With Ivano Battistone, which informs the drawer accordion at the Florenzer conservatoire, and Piazzollaschüler Richard Galliano first-class Solisten has itself found to which. Shigeru Kannos Stück is as the second point of program at the series, right after a composition of Robert Beaser of the Yale School OF Music in New York and chairman of the competition jury. With all ceremony the concert from 2 August has a tragic background. On the day before twenty-in years a bomb on the station of Bologna exploded exactly and riá 80 humans into death, more über two hundred humans was hurt. " I was fünfzehn or sixteen as the bomb high-went ", remember Träger of the second price Marco Biscarini, which originates from Bologna. " that bomb-casually was gefaát, but not the wire-pullers. Among the victims were many tourists. Wuátest you that also two Japanese starben?"wendet it itself at its colleagues. Shigeru Kanno schüttelte its heading. " by non dimenticare ", against forgetting the city Bologna in co-operation with the union of the families of the victims of the terror impact is jährlich the composition competition and the nächsten competitions is already firmly taken into account on the banner before the kirchenportal and for seven years writes out. Clarinet and violin will be the solo instruments, which are to challenge the Kreativit.t of the composers in the nächsten both years. The radiating winner in this year is the Neapolitaner Pino Iodice. " composing I taught größtenteils ", erklärt myself he that computer centre that he much with jazz and Bigbands schl.gt itself besch.ftigt in its factory " The load station " clearly down. Vittorio Prodi, governor of the province Bologna, überreicht schlieálich the documents to the three Preisträger, and factories of Fabrizio De Rossi RH and Richard Galliano beschlieáen the concert evening. After the Aufführung celebrates the public the Preistr.ger. Glückwün will expressed, autographs want to be distributed. A group of composition students lächert Shigeru Kanno with questions to the orchestra its instruments packed up. Briefly before midnight still another hand knocks few steps before the hotel on Shigeru Kannos shoulder. Oh, you are it, Maestro... " Gefällt me very well, your Stück ", erklärt the conductor Pietro Borgonovo with a cordial Lächeln on the whole face, " really, a very interesting Stück!"(ms)

Emgagement = Work = Job = Shigoto = Vorwärts without additional mutter, without additional voice action and without multisound for saxophone! „Engagement must be boldness (Slapp + uncertainly chaos glissando, have to be new material (staccato + bag + very rapid passage). Rare rhythm for saxophone is at the coda. Metamotphosis. New discovered form. The Ending is what we cannot expect. The duration is circa but at least 6 minutes. This was a ordering by player.

Onder de titel “Engagement” brengen accordeonist Gertie Bruin en saxofonist Niels Bijl in het seizoen 2002/2003 een internationaal programma met origineel voor deze instrumentencombinatie geschreven hedendaagse composities.

Op het programma staan werken van o.a. de Japanse componist Shigeru Kan-No, de Duitse componist Peter Machajdík, de Amerikaanse componist Paul Dolden (een compositie met tape), de Nederlandse componisten Jacob ter Veldhuis, Burkhardt Söll en Chiel Meijering. De musici zullen het gebrachte programma mondeling toelichten. Zij streven daarbij naar een zo ontspannen mogelijke communicatie met het publiek. In overleg kan het programma eventueel worden aangevuld met composities voor accordeon solo en/of voor saxofoon solo.

Het duo van accordeonist Gertie Bruin en saxofonist Niels Bijl is ontstaan uit de samenwerking van beide musici aan het conservatorium te Enschede. Deze samenwerking smaakte naar meer. Doelstelling van het duo is het verkennen van het bestaande repertoire en het stimuleren van nieuw repertoire voor deze bijzondere combinatie van instrumenten.

One Comment for WVE-194a „Knock and Glissando“ for Clarinet and Guitar

The Technic to play „Knock and Glissando“ is the title for this work. But I have thought, „Knock and Glissando“ is for Guitar only. We cannot strike the clarinet. Guitar must never play as a ordinario, but only noise from strike and voice noise. Guitar player must strike the body with exact rhythm like a professional percussionist. The audience can be surprised, because one cannot waite for such a sound. Clarinetist must speak anything in the instrument. That must be unclear. The music must be remain so, not otherwise. The glissando by clarinet can be possible with upwards and downwords. Giutar usea metal stick for glissando too. The pitch is voluntary always. There is never absolut pitch. This music avoids absolut pitch, if possible. I use crevice sound with staccato in highest range for clarinett also. For last 2 majors, the giutar player must play Bartok-pizzicato for 6 strings with both hands. Because one has 5 fingers for one hand.

What I have told, is technic only, but I think, the piece can develop new combination of sound, new form, new aesthetics, new thought and new world from it. I don´t tried to use the other thinking and idea in this music.

詩はオーストリアのミヒャエル・パウルスの作。詩の内容が大変面白いので、すぐに夢中になり作曲した。作曲技法における調性とか無調とかは特に意識していない、むしろ程よく取り混ぜている。それ以外の技法は内部奏法や特殊な声の出し方以外すべて使った。プロ・アマは特に念頭に置かなかったので，すこし難しくなってしまった恐れはある。やっぱり質の高い作品を優先すると複雑になる。

Bevor ich mit Flötestimme komponiere, ist der Teil für Streichquartet schon beendet. Der Flöte ist danach gekommen. Flötestimme und Streicherstimme sind eigentlich ganz unabhängig eingesetzt. Flötestimme ist nicht so schwehr zu verstehen: Tang-Charleston nur lateinamerikanischer Charakter. Dagegen ist Steicher nur als Molto-Follemente. Aber diese „Follemente“ kommt aus lateinischem Temperament. Als Folge, diese beide unterschiedliche Charakters werden zusammen. Nächste Teil ist eine Geschichte für Glissando von nur Streicher. Der dritte Teil ist nur Klangfarben durch erzeugter Rhythmen. Dann Farbekomposition durch nur Flageoletti. Schließlich wieder Glissando von zwei Streicher mit begrenztem Flöteglissando. Es gibt keine Tempoveränderung und keine Taktveränderung. Das dauert ca. 15 min.

Before I compose with Flute past, the parts for strings is already finished. I have gotten the flutist after it. The part of flute and the part for string is whole independent. The flute part isn’t difficult to understand.: Tang-Chaleston Latin American character. In the contrary is strings part from Molto-Follemente. But this “Follement comes from Latin American temperament.

Finally, these both characters become together. Next section is a tale for glissando by strings. The third section is sound colour only, which the thythm makes. After it composition of colour by flageolet only.

At the end once more glissando by two strings with limited glissando by flute. There is no change of tempo and no change of bar. The duration is about 15 minutes.

One-Paragraph description-Program-note about WVE-201b (2002) by Shigeru Kan-no

WVE-201b „Hogaku-Hosoku“ is an arrangement for euopean instruments from WVE- 201 „Hogaku“, which I composed for 5 japanese instruments: for Shakuhachi, Female Voice, 13 strings Koto, 17 strings Koto and Japanese Percussion in summer 2002. WVE-202a was „ Music from China“ as an arrangement for 5 chinese instruments.

I have not particulally tried very japanese musical style for WVE-201, but I have tried very boldly and very individual music. In the original version the score has no 5 lines notation, but one line system only: from high up to low. There is very variable scales, and tones in the japanese instrument and plaing methodes. I have leaved to the players, which they take scale, mode, tone, sound or coulor. For example, each player may take individually tone-scale. Or all players may take same tones. For european instrument I have fixed the tones because of so a few players, who can half imporovise. WVE-201is a chance music about the pitch for me. Chance music is very asiatic thinking. But chance music is a technic in contemporary music. The noise is very japanese technic. We shall not hesitate to use the noise as a technical sound.

What is very important, is´t to compose very japanese music, but to compose very individual music, which one doesn´t waits anything. We haven´t thought , that all good musics shall be such a music. Music seriel has never thought, that John Cage came so! Nono has never thought, that Lachenmann compose so. Contemporary music must be gone always so. We don´t know, how kind of music will come in the future. That´s like a politik or economy. The music is never different from our realities of life, on the conttrary the music must be itself of realities of life, and more real than real world.

My WVE-201 is used all technics, and thoughts, if one needs. There is no the border line. That´s a real globalisum of music and a freedom of music.

One Comment WVE-205a „Supplementary Food“ for Clarinet and Guitar

This work is a sequel from WVE-194a „Knock and Glissando“ and WVE-198 „Ein babylonisches Essen II“ for Accordion solo, and was written first for guitar part only, after was addition the clarinet solo part like WVE-194a „Knock and Glissando“. But I´m sorry, I need 3 notes system for guitar. one is normal lines, the second is for voice and the third is for strike the body. The guitar has so many possibilities. In the beginning, I use so many lip-noise, but one cannot repeat so many times. I have written where one must lightly grip as a flageoletto by guitar. The pitch ist not so important. This pitch must be always changed only, because of avoidance of boredom. There is no rhythm. What one feels like rhythm, is never rhythm , but a color of sound. We must enjoy change of color from sound only like Scelsi or Lachenmann. The TECHNIC „Vomit“ is a few vulgar for lady. But it´s for me sound´s color too. This is gay. OK! But i am not a comedian. That´s not a purpose for ma music. This method is accelerate to understand the music for no special publicum for contemporary music but very normal publicum for normal music. This is very high adventurous piece.

この曲は最初循環呼吸の長い長いグリッサンドで始まります。電話で演奏の彼らが「出来そうだ」と言ったので､彼らの名人芸を最大限に発揮させる為にそう作られました。決っしてやさしくはありませんが、奏者がちゃんとしたプロであれば演奏は可能です。次に細かいパッセ－ジ、グリッサンドの部分、音響的な色彩の変化､トリル、弱音器の交換、特殊奏法の色々な組み合わせ等が続きます。そのあと剣玉や風船による12秒の遊びの部分があります。これも不確定な偶然的な「音楽」です。次はまたまた別な特殊奏法による組み合わせの続行です。いろいろなリズムの組み合わせもあり､それはそれで聴衆は一つの「音色」として捕らえ鑑賞しなければなりません。最後にトリルやモルデントなどの古典的な奏法が付きます。これはＷＶＥ－167やＷＶＥ－167ｆのフランス初演のときとても好評だったので、また編成と条件を替えて再利用しました。解釈は厳格ではなくそれぞれの奏者の自由にゆだねられます。こう来てしまった場合、最後の二小節はどうしても聴衆を意外な方向に驚かせなければなりません。まずカーゲル風のとぼけた笑い声を入れました。最後は初演で使われた他の曲の断片を、当時のトロンボーン奏者の偶然に持っていた縦笛によって吹かせました。これで､最初の編成にしてはとても意外に響きます。作曲法上、聴衆にどうやって終るかわかられると、すぐ退屈・冗漫さにつながるのでそれを避けるためです。現代音楽は不確定性時代にふさわしい、予測不能の芸術でなければなりません。

クワオアーは２～3年前発見された月より小さな第１０番惑星と言われていましたが、新たに近くに大きな惑星「セドナ」Ｓｅｄｎａが発見されて、惑星の地位を剥奪されそうなかなりかわいそうな「惑星―衛星」の名前です。しかしこの音楽は絶対音楽で､ホルストの「惑星」のような描写音楽ではありませんが、東京ドライエック・ゾリステンと自分の将来を、今無名でもいつかは重要な存在になる、と言う願いと希望をこの曲に込めてあります。それはどんなに辛くとも常に前進すると言う意味です。

This piece is written for Jennifer Baker only! Of cause other trombonist may play, if he/she love it.In this time my idea and her/his idea have very good fitted. The first experimetal theaterical pieces!

Experimental: For example I have written without at the beggning. I thinki, it'svery difficult to play. About the pitch we can control very little. I hadn't given 5 lines but one line only.

Theatrical: in the next scene a speaking between the technic to strike on the mouthpiece. The speaking is used from spell only. This is very mistrical.

I have used all mutes because of interesting from tone colouer.

Player may speak each spell with mistake perhaps deliberately or one can do with corruption from his country. This is more misteriouse.

CONTEMPORARY MUSIC
A Bit of This,
a Touch of That 09/25/04

By Jonathan Russell Last Saturday at the Community Music Center on Capp Street, sfSoundSeries presented a concert that juxtaposed improvised contemporary music and precisely-notated modernist music. Thanks in large part to the brilliant virtuosity and inventiveness of the featured performers, the improvised music turned out to be by far the more fresh, lively and exciting. The highlight of the first half was the Trio, performed and 田omposed・by oboist Kyle Bruckmann, clarinetist Matt Ingalls, and alto saxophonist John Ingle. The piece had a simple predetermined structure that indicated only the order of the type of material to be played. This structure, enabling the three performers to play similar sorts of material at the same time, helped focus the content of the improvisation, resulting, for example, in a section where they were all playing multiphonic trills. The many overtones of each instrument rubbed and vibrated against the overtones from the others, creating a rich, alive, and wild sound. After a contrasting section featuring subtle unpitched or barely pitched blowing, key rattling, and other effects, the piece ended with everyone playing very loudly on very high notes, which created a shockingly electrified sound as the high pitches seared into one another and into the audience痴 ears. It was at once ear-shatteringly screechingly loud and exhilarating. The program opened with Christopher Burns・Maxwell痴

作曲と指揮: 菅野茂

Commets about Works by Shigeru Kan-no

WVE-64 : Mon Goût du Shigeru Kan-no

A short description of the score for WVE-79a

A short description of the score for WVE-79a

Kommerntar für WVE-91: V. Kammerkonzert

Kommerntar für WVE-98: Partita der Unterhaltung

Kommerntar für WVE-104: Trieb I

WVE-125, Program Note

One Comment for WVE-194a „Knock and Glissando“ for Clarinet and Guitar

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One Comment WVE-205a „Supplementary Food“ for Clarinet and Guitar